KABOOO0M!

En #lavidaesuncuadro nos hemos puesto un poco retros y parece que hayamos viajado en el tiempo visitando la genial exposición KABOOOOM del ilustrador Sergio Mora en la Art gallery & Book shop: La Fiambrera (de la que os hablaremos más adelante en otro post :D)

Así que si no teníais plan, aquí os proponemos uno.

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Aquí os dejamos unas imágenes de nuestra visita y de lo que os podéis encontrar en la muestra:

  
       

 La exposición estará disponible hasta el 3 Mayo, y ¡OS LA RECOMENDAMOS AL 100%!

🙂

#lavidaesuncuadro

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Frida ilustre ilustrada Kahlo

“Pies para que os quiero si tengo alas para volar”

Y vaya si voló. Frida Kahlo no solo fue una mujer rompedora para su época, dejo atrás todos los estereotipos, convencionalismos y dictados estéticos. Derribó barreras y fue icono de la mujer en el arte, emergió el concepto olvidado de la mujer como artista en un mundo dominado principalmente por hombres. Y, a veces, como tal se comportaba.

Por eso, y por muchas cosas más se ha convertido en todo un icono del arte del siglo XX.

Musa de muchos artistas e ilustradores contemporáneos, Firda Kahlo ha sido, es y será siempre un referente de arte, fuerza, pasión, vida y libertad de expresión. Esto queda plasmado en una infinidad de obras en las que queda reflejada en su esencia más pura. Porque, ¿quién no identifica esas cejas, ese moño adornado con infinidad de flores de colores y ese halo de tranquilidad inquieta en la expresión de su cara?.

Frida era única y estas muestras de artistas que os dejamos a continuación lo verifican:

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Por la ilustradora española María Hergueta

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Por Ricardo Cavolo, España

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Por la diseñadora española María Díaz Perera.

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Por Liz Clements. Uk

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Por el ilustrador Mundopiruuu

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De la inglesa Claire Owen

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De Benjamín Lacombe. Francia

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“Young Frida” por Jill Wignall, UK

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Por la italiana Claudia Carieri

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Por el ilustrador chileno Fab Ciraolo

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Vajilla del ilustrador español Jose A Roda

#lavidaesuncuadro

JOSE A RODA. UNA SÍNTESIS EN CLAVE DE POP

Desde Bowie hasta Frida Kahlo, pasando por Carmen Maura y Alaska.

El color, la creatividad, el fanatismo y la mitomanía, la sencillez y el arte POP se mezclan en las creaciones (serigrafías, ilustraciones, vajillas, etc.) de este genial y joven artista natural de Barcelona pero afincado en Madrid, que nos trae hoy su particular punto de vista con su arte a #lavidaesuncuadro.

Damos ya la bienvenida a nuestro #blog a Jose A Roda:

-¿Quién es Jose A Roda? José A. Roda es José Antonio Roda Martínez, pero más cortito. Es un chico que intenta ganarse la vida haciendo lo que le gusta. Dibujar, diseñar, crear, haciendo las cosas por mí mismo.

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-¿Cómo y Cuándo empezó tu andadura en el mundo del arte y la ilustración? Siempre he hecho cosas relacionadas con la creatividad y me he sentido atraído por el arte. De pequeño era “el que mejor dibujaba de clase”, pero nunca he estado obsesionado con el dibujo ni jamás pensé que me podría dedicar a él. Ya de adolescente quería hacer cine, por eso estudié Comunicación Audiovisual. Siempre he hecho cosas de fotografía, vídeo y diseño gráfico por mi cuenta, trabajos pequeños a conocidos; pero nada que no pasara de ahí. Es a principios del 2013 cuando me mudo a Madrid con la intención cambiar algunas cosas en mi vida e intentar mejorar mi situación laboral, cuando empieza todo. Durante los primeros meses de infructuosa búsqueda, dibujar en casa se convirtió casi casi en el único plan que me podía permitir. Compartía los dibujos por las redes y poco a poco sin darme cuenta, empecé a tener una respuesta cada vez mayor. Así empezó todo.

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-¿Cómo definirías tu estilo? Sencillo, pop, colorista, sin pretensiones. Durante mi vida de estudiante siempre se me ha dado muy bien hacer resúmenes. Resumir apuntes. Tengo la sensación de que mis trabajos son un poco eso; una síntesis, una especie de abstracción en clave de pop.

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-En tus ilustraciones nos muestras una colección muy POP en perfecta simetría, enfatizando y plasmando los rasgos de tus dibujos en colores planos pero perfectamente combinados que nos encanta. ¿Como surge esta idea? No lo sé realmente. Me gusta mucho el trabajo gráfico que se hacía en los años veinte y creo que es en el intento de parecerme a ese tipo de trabajos que voy tomando ese camino. Poco a poco probando cosas. Luego está la influencia del pop, mi mitomanía etc. Al final todo es una suma de las cosas que me rodean, interesan y conforman mi personalidad y la de mis trabajos.

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-¿Qué quieres o qué te gustaría transmitir con tus ilustraciones? Nada. Mi trabajo representa que lo que es. Un plato es plato y un dibujo es un dibujo. Lo único que quiero que vean en mi obra es un trabajo bien hecho, algo que tenga un valor estético y sentimental. Sentimental porque hago lo que siento, porque en el caso de los retratos, cuando más disfruto es cuando dibujo a la gente que con su trabajo me ha emocionado. Todos los personajes que podéis encontrar en mis retratos, en los platos, las bolsas de tela… todos han sido importantes en mi vida de una u otra manera por lo que hacían y por lo que eran (o son en el caso de que estén vivos, que alguno queda). No tengo intención de transmitir ningún mensaje. De momento no lo siento así.

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-Una parte muy importante de tu obra se refleja en tus vajillas, la mayoría dedicada a personajes de la cultura popular española (Rocío Jurado, Lola Flores, Universo Almodovar, etc.). ¿Hay algún motivo en especial? ¿Cuál es el proceso creativo y con qué materiales trabajas en este campo?  Porque son mi vida, porque yo no sería yo sin Rocío o sin las películas de Pedro. He invertido en ellos mucho tiempo y muchas emociones desde chiquitico. Porque a diario los veo, los escucho, los dibujo, los leo, uso sus frases, me hacen reír, soñar, llorar. Forman parte de mi educación sentimental. Probablemente me iría mejor si dibujase a Justin Bieber pero el Señor no me ha llevado por ese camino. El proceso creativo tiene que ver más con la obsesión por estos personajes, la constancia y la ilusión por hacer algo bonito que sirva para devolver parte de lo que ellos me han dado.

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-¿Qué te inspira a la hora de crear? Todo es susceptible de inspirar aunque no todo me inspira. Canciones, películas, libros y el trabajo de muchísima gente con talento que ha pasado por el planeta Tierra antes que yo.

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-¿Tienes alguna técnica y/o herramienta que más utilices a la hora de ilustrar? La verdad es que no, voy cambiando, voy probando cosas. Quizás el cariño, la constancia y el ordenador son las herramientas que más utilizo.

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-¿Hay algún proyecto en que estas trabajando ahora? Sí, el proyecto en el que estoy trabajando ahora se llama “Vivir en Madrid centro, pagar el alquiler, comer tres veces al día (mínimo), trabajar, ser creativo, no engordar, encontrar marido y no morir en el intento”. Es un proyecto apasionante.

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-¿Qué es lo mejor y lo peor de tu trabajo?  Hay infinidad de cosas buenas. La satisfacción que supone hacer algo por uno mismo, los vínculos que se establecen con la gente que comparte, admira y compra tu trabajo, lo mucho que descubres de ti y que no sabías, que estás haciendo lo que te gusta y que tú mismo has elegido, conocer a compañeros que admiras. Ver que algo que sale de tu habitación, toca, trasciende y puede llegar hasta Australia o Filipinas es alucinante. Yo me sigo sorprendiendo ante cada elogio o cada compra. Me siento muy afortunado aunque también sé que me lo trabajo duro. Lo peor la lucha con uno mismo, lidiar con tus propias inseguridades, y la cantidad de gente que intenta aprovecharse de ti y de tu trabajo.

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-¿Qué consejo darías a la gente que empieza en el mundo de la ilustración? Que hagan un módulo superior y se metan a trabajar en un banco por favor. Me lo van a agradecer. De no poder evitarlo les diría que tengan mucha paciencia y que crean en su trabajo y estén siempre trabajando.

Para ir acabando, aquí van una serie de preguntas más personales:

-Si tuvieses que escoger una de tus obras, ¿cuál seria y por qué? Me gusta mucho el plato de Mina. Creo que es muy pop, muy reconocible y ella siempre me ha parecido lo más.

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-¿Cuál es tu momento preferido del día para crear? Ese en el que tenga orden, tranquilidad y el estómago lleno.

-¿Café o té? Me gusta mucho el te, pero como soy un absoluto desconocedor del mundo te, siempre acabo pidiendo café con leche en vaso.

-¿Mar o Montaña? Mar.

-¿Una ciudad? Cornellà del Llobregat.

-¿Un tema como b.s.o. de tu vida? Un tema sólo es algo absolutamente imposible y una injusticia tremenda para el resto de canciones que se quedan fuera. Me gusta mucho “Las simples cosas” en voz de Chavela. Más que la banda sonora de mi vida, sería la canción de la banda sonora de la misma vida.

-¿Una película? Me pasa lo mismo que con la pregunta anterior. Como contrapunto voy a alejarme del drama y voy a decir “Mujeres al borde de un ataque de nervios”.

Y por último, nos despedimos con la pregunta más importante de todas:

-Jose, ¿la vida es un cuadro? La vida es un rato.

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#lavidaesuncuadro

Mireia Jade: Fuerza, sinceridad, provocación y feminidad. Mucha feminidad.

Todo llega y todo pasa, pero no en el mundo del arte. El arte es eterno, se mantiene.

Por eso hoy en #lavidaesuncuadro os queremos presentar una nueva cara de la ilustración española. A pesar de su juventud, esta Valenciana de 23 años nos ha enamorado con sus ilustraciones, sus collages y composiciones provocativas, con fuerza y garra a la vez que sensibilidad, dulzura y mucha feminidad, de las que estamos seguros darán mucho que hablar.

Y así, por qué todo llega pero no todo pasa, es hora ya de dar cabida al futuro, a las nuevas generaciones de artistas de la ilustración, y Mireia Jade viene pisando fuerte.

 -¿Quien es Mireia Jade? Mireia Jade tiene 23 años, es de Valencia y le gusta el cine y la pizza. Y las flores. Y los perros. Y París. Y los Domingos. El diseño gráfico y la ilustración son su pareja formal, pero la decoración y el escaparatismo son sus amantes.

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-¿Cómo definirías tu estilo? Como una evolución constante. Pero si tuviera que definirlo en palabras, serían fuerza, sinceridad, provocación y feminidad, mucha feminidad. Si tuviera que hacerlo formalmente, hablaría de contundentes líneas negras sobre tonos blancos, sobriedad mezclada con notas de color, tendencia hacia la simplicidad de expresividad caótica y mezcla de temática seria y banal a la vez. Rostros bellos interiormente entristecidos, feos. Una serie de contradicciones que dan lugar a un trabajo onírico pero muy real.

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-En la mayoría de tus ilustraciones podemos observar una combinación de dibujo, fotografía y tipografía que nos encanta ¿Cómo surge esta mezcla? ¿Qué tipo de fotografía te interesa para realizar tus proyectos? Este tipo de trabajos surgen poco a poco. Al principio dibujaba manualmente sólo con bolígrafo, rotulador y lápiz de color, después empecé a sumergirme en el mundo de lo digital, y fue todo un descubrimiento. Mezclaba dibujo con imagen, imagen con tipografía, tipografía con fotografía… Vi la luz. Encontré un método que me permitió empezar a crear un lenguaje propio que me permitía expresar todo lo que llevaba dentro, que no es poco.  En cuanto al tipo de fotografía que suelo elegir, he de decir que las que irremediablemente siempre llaman mi atención son las de rostros de arrebatadoras miradas. Pero no me cierro a nada, si una imagen me provoca cualquier sensación, en seguida quiero dibujarla y transmitir a los demás eso mismo que yo sentí.

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-Sabemos que parte de tu formación en Bellas Artes tuvo lugar en Roma, ¿Ha influido esta ciudad en tus trabajos? ¿De qué forma? Claro, todo lo que te rodea te influye. Eres mitad tu mundo interior y mitad tu mundo exterior. Y Roma es un exterior muy influyente. Sus monumentos, sus edificios, sus rincones, sus detalles, su luz… Miraras donde miraras había arte y eso me motivaba para continuar trabajando en mi obra. Cámara en mano salía a sus calles en busca de inspiración, y puedo asegurarte que la encontré.

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-¿Qué pretendes o qué te gustaría transmitir con tus obras? Quiero hacer sentir. Quiero que la gente se identifique con ellas y sepan que todos estamos juntos en esto. Todos lloramos, reímos y sufrimos. Y de ello se puede hacer arte. Nada es en vano. Quiero jugar a seducir llamando la atención del espectador primero con la imagen y atrapándolo después con su significado.

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-¿Qué te inspira a la hora de ilustrar? Absolutamente todo. Una conversación en el metro, un graffiti en la pared, una frase de un libro,  unos colores del cielo, un lugar… Me gusta observar, escuchar, examinar… Muchas cosas son objeto de mi atención y gran parte del día estoy pensando en crear. A veces es un problema, pues estoy con la familia o amigos y estoy imaginando todo lo que quiero hacer, pero cuando tu trabajo es una constante inspiración del caótico mundo que nos rodea y quieres ofrecer tanto a la gente, resulta muy difícil el desapego de lo personal con lo profesional, pues al fin y al cabo, tu obra artística es todo lo que está en tu cabeza y en tu forma de pensar, y acaba por convertirse en tu modo de vida.

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-¿Que herramientas usas para realizar tus trabajos? Aunque no lo parezca, gran parte de mi trabajo es manual. La gente se asombra cuando les cuento que las líneas negras de mis ilustraciones son hechas con bolígrafo. Me dicen: “¿En serio? No te creo”. A continuación cojo un boli y empiezo a dibujar líneas para demostrarles que no miento. Sigo trabajando con rotuladores y lápices de color, como dije al principio, pero la parte que más me fascina es la última fase: la digital. Copiar, pegar, cortar, hacer, deshacer… Las posibilidades que ofrece este soporte son infinitas, y me lo paso como una niña cuando empiezo a retocar mis ilustraciones con la tableta gráfica y mi amigo Photoshop. Me encanta experimentar e ir descubriendo nuevas técnicas para la ejecución de los diseños.

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-Gran parte de ellos son retratos de mujeres, y entre ellos se intuyen rasgos de caras conocidas del mundo de la moda, ¿Es esta una de tus influencias?. ¿Por qué mujeres?Siempre me he llevado mejor con los chicos que con las chicas. Sin embargo, las mujeres son una constante en mi vida. Vivo rodeada de ellas. Mi familia, mis amigas, mis compañeras… Me fascinan todas y cada una de ellas. Son el animal más bello de la Tierra y eso hay que dibujarlo. Además, en este mundo de hombres, necesitamos darle un papel co-protagonista a la mujer. Y yo lo hago.

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-¿Algún proyecto a la vista? Muchos. Mi cabeza siempre va un paso por delante. Cuando estoy trabajando en un proyecto se me ocurre otro. Y así continuamente. No puedo parar de hacer cosas, siempre he sido así. Es el motor de mi vida, el no parar. Pero os puedo contar que actualmente estoy trabajando en la realización de unos artworks para la revista ValenciaModa y en una exposición colectiva donde los beneficios de las obras irán destinados a la India. Y cómo no, mi constante proyecto paralelo: Lakajade Clothing, un e-market de ropa vintage que llevo a cabo con la persona que es mi motivación diaria.

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-¿Qué consejo le darías a alguien que este empezando en esto de la ilustración? Le daría el consejo de no seguir ningún consejo. Esto lo aprendí de una profesora que una vez me dijo: “Como si viene el mismísimo Picasso y te dice que no le gusta tu trabajo. ¡Al diablo con Picasso! Eres lo suficientemente inteligente para saber tú misma lo que debes hacer. Nunca dejes que nadie lo haga por ti. Haz siempre lo que te haga feliz”.

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Para ir acabando, aquí van una serie de preguntas más personales:

-Si tuvieses que escoger una de tus obras, ¿cuál seria y por qué? Trato a todas y cada una de ellas como lo que son: únicas. Por tanto, no puedo escoger sólo una porque todas son parte de mí. Sería como tener que escoger entre una de las partes de mi cuerpo. No se puede. Es imposible. Todas son imprescindibles para poder ser lo que soy, todas juntas forman un todo. Mi todo. Y mis obras son también parte de esa unidad indivisible.

-¿Cuál es tu momento preferido del día para crear? La noche. Siempre. Cuanto más tarde mejor. Mis musas son nocturnas. Pero cuando tengo que levantarme pronto por las mañanas me acuerdo de un modo que no debería de ellas y les pido que no vuelvan nunca más a esas horas. Ni caso.

-¿Café o té? Siempre he sido de té, pero desde hace meses le estoy siendo infiel con el café. Muy infiel.

-¿Mar o Montaña? Rotundamente mar.

-¿Una ciudad? Madrid.

-¿Un tema como b.s.o. de tu vida? Demasiados momentos como para escoger sólo uno. Pero hoy por hoy es este: Ríe cuando puedas – El Chojin. Maestro, a sus pies.

-¿Una película? Reservoir Dogs.

Y por último, nos despedimos con la pregunta más importante de todas:

-Mireia, ¿la vida es un cuadro?  Te responderé con otra frase: “Life is art”.

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www.mireiajade.com 

#lavidaesuncuadro

La magia de Boamistura: “El arte puede ser una herramienta de cambio”

Y es que son únicos.

Con sus propias manos, su arte y su creatividad crean un Universo paralelo que nos lleva a otra dimensión y nos sacan una sonrisa allá dónde encontremos alguna de sus increíbles obras.

Por eso, cómo no podría ser de otra forma, para aquellos que aún no les conocéis, no les ponéis cara o simplemente os fascinan sus creaciones tanto o más que a nosotros, os queremos acercar a este pedazo de equipo que seguramente os hayan hecho parar en más de una ocasión ante sus colosales murales y dedicarles al menos un poco del tiempo que merecen para disfrutarlos como Dios manda.

Hoy en #lavidaesuncuadro os traemos a BoaMistura:

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-¿Qué es y de dónde viene Boamistura? Somos un grupo de 5 amigos que nos conocimos hace muchos años pintando graffiti en la calle. Hoy somos un colectivo de artistas urbanos que desarrollamos nuestro trabajo en el espacio público.

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-¿Quien esta detrás de la idea?. Pablo Purón, ilustrador. Pablo Ferreiro: diseñador gráfico. Javier Serrano: arquitecto. Juan Jaume: licenciado en bellas artes. Rubén Martín: ingeniero civil.

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-¿Cuándo, cómo y por qué surgió? Empezamos a pintar juntos en el 2001. Con 17 años. A través de amigos comunes del barrio que nos ponen en contacto. De manera natural fueron pasando los años, entramos en la universidad, y nunca dejamos de pintar juntos. En 2010, decidimos montar nuestro estudio y dedicarle el 100% de nuestro tiempo. Surgió porque sentíamos que era de lo que nos queríamos ganar la vida. En Noviembre de 2009, estando todos en Berlín, empezamos a hablar en serio del tema y cuando regresamos lo hicimos.

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-¿Qué os inspira a la hora de crear?¿Quién es quién en el proceso? Nos inspira el lugar donde vamos a hacer la obra y todo lo que le rodea. Lo que sigue es una o mil discusiones acerca del proyecto y de ahí surgen los puntos en común donde nos vamos encontrando y comenzamos a avanzar.

 (M.O.M.E.N.T.U.M. es una pieza audiovisual, participativa y formada a partir de los clips enviados por multitud de personas. Una muestra de la maravilla de nuestra realidad cotidiana, la poesía, la tragedia y el triunfo que se produce cada día a nuestro alrededor. Este video es una llamada a la reflexión, a la solidaridad y a la vez un grito de amor a la vida.)

-¿Cómo definiríais vuestro estilo? ¿Cómo elaboráis vuestros diseños? No sabría decir si tenemos un estilo o cómo definirlo. Simplemente intentamos hacer algo que mejore al lugar y que pueda inspirar a las personas que van a ver esa obra. Todos los diseños comienzan a mano y luego pasan por una fase en ordenador, que nos permite valorar la escala y el color de la propuesta.

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-¿Qué pretendéis ó qué os gustaría transmitir con ellos? Al estar en la calle nuestras obras, somos muy conscientes de la importacia que pueden tener para alguien que se enfrente a ellas diariamente. Por eso somos muy cuidadosos con el mensaje que proponemos. Nos gustaría inspirar a las personas que lo ven, pero eso depende de cada espectador.

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-¿Tenéis alguna técnica y/o herramienta que más utilicéis a la hora de realizar vuestras obras?La pintura es el elemento conductor de nuestro trabajo.

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-Entre una gran número de proyectos que habéis llevado a cabo, los que nos tocan más de cerca son los que tienen lugar aquí en España, y concretamente en Madrid. Habéis adornado gran parte de la ciudad con preciosos street art, nos habéis hecho caer rendidos ante los versos y la poesía tendida en el asfalto de sus calles, y por supuesto hemos disfrutado con la gran creatividad que habéis puesto en cada una de vuestras obras¿Cómo surge , por ejemplo, la fantástica idea de “Te comería a versos”? Bueno, “Te comería a versos” es un proyecto que se nos atribuye a nosotros pero hasta donde sabemos es de autoría anónima. Y nos gusta que sea así, lo hace aún más poético y desinteresado. Ese proyecto, como espectadores, nos gusta mucho y parece que a muchos de los ciudadanos también, porque ha re-significado un espacio como los pasos de cebra y cambiado el día a día de muchos itinerarios.

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-Sin ánimo de entrar en polémica, me gustaría preguntaros por “Madrid, te quiero en colores”. Cuando no coinciden los criterios artísticos ¿Cómo se toma alguien que eliminen su obra? Después de más de 15 años trabajando en la calle, uno está acostumbrado a que el ayuntamiento, otro graffitero o la propia climatología elimine tu obra. Son las reglas del juego y no suponen ningún conflicto para nosotros. Madrid, te quiero en colores, es un proyecto irónico sobre el abuso del gris que inunda nuestras ciudades, y de algún modo, una forma de decir que las ciudades podrían ser espacios más humanos simplemente cambiándoles el color.

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-¿Cuál ha sido vuestra última creación? Acabamos de volver de la India, de Delhi. Hemos pintado un mural lleno de simbología hindú. No conocíamos el país y nos ha atrapado desde el primer momento.

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-¿Hay algún proyecto con el que Boamistura haya soñado realizar desde que nació?Poder vivir de nuestra pasión.

Para ir acabando, aquí van una serie de preguntas más personales:

-Si tuvieseis que escoger una de vuestras obras, ¿cuál seria y por qué? Luz Nas Vielas en la favela de Sao Paulo. Porque fue la confirmación de que el arte puede ser una herramienta de cambio.

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-¿Cuál es vuestro momento preferido del día para crear? Cualquier rato en el que estemos juntos.

-¿Café o té? Todos café menos Purone que siempre toma té.

-¿Mar o Montaña? Mar.

-¿Una ciudad? Madrid.

-¿Un tema como b.s.o. de Boamistura? Ultimamente no deja de sonar Chet Faker en el estudio.

-¿Una película? Big Fish.

Y por último, nos despedimos con la pregunta más importante de todas:

-Boamistura, ¿la vida es un cuadro? La vida es un lienzo inmenso al que hay que ir dando pinceladas diariamente.

www.boamistura.com

#lavidaesuncuadro

Ricardo Cavolo & el Simbolismo

¡Hoy en la #lavidaesuncuadro estamos muy contentos!.

Hoy os presentamos a  uno de nuestros ilustradores favoritos, y esque Ricardo Cavolo (Salamanca, 1982) es un genio del color y el simbolismo.

Hace pocos días pudimos disfrutar de algunas de sus obras expuestas en el Mercado central del diseño que tuvo lugar en MATADEROmadrid en el stand de la Galería Gunter, y hoy os traemos una entrevista/review de él y sus trabajos.

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Así que sin más dilación, aquí os dejamos con la entrevista que le hemos hecho al salmantino:

-¿Quién es Ricardo Cavolo? Una pregunta así casi es mejor siempre que la conteste cualquier que yo no sea. Yo veo el bosque por dentro, y con toda sinceridad, lo que veo es un tío que se gana la vida pintando y dibujando, sin más.

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Ricardo Cavolo – Autorretrato

-¿De dónde viene tu pasión por la ilustración? Nací en el estudio de pintura de mi padre, entonces desde mi primer día siempre he estado rodeado de todo ese mundo de pinturas, lienzos, colores, pinceles… Y creo que eso va a favor de obra. Nunca dejé de dibujar, porque siempre me ha entretenido y divertido mucho. Y creo que con eso todo ha sido muy fácil en el sentido de que nunca me planteé dedicarme o no a esto. No había otra opción, ha sido seguir el camino natural.

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-En tus ilustraciones podemos ver una gran variedad de imágenes y formas que hacen un trabajo lleno de detalles y matices con colores muy fuertes, pero en la mayoría de ellas se repiten representaciones de llamas de fuego, ojos y la imagen de un corazón. ¿Son estos un patrón básico en tu estilo y/o obra? ¿Por qué? No es algo que me propusiera, pero si todo el trabajo sale de la misma cabeza (con las mismas pajas mentales), al final es evidente que va a haber elementos redundantes. Sí tengo claro que me gusta trabajar con el simbolismo, pero no me propongo generar un vocabulario con elementos en concretos.

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-Defines tu estilo como “Naif directo”, sencillo pero no “ñoño”. ¿Cómo surgió el estilo Cavolo? Bueno, digo la palabra naïf porque a veces “te obligan” a etiquetar, y creo que es de las etiquetas que más se acercan. Cuando empecé a dibujar de cara a intentar dedicarme profesionalmente a ello lo hice enfocado en la ilustración infantil, y ese mundo parece que te obliga a simplificar formas. Eso conecta bien con mis prisas a la hora de trabajar. Y luego me di cuenta que ese estilo encajaba muy bien con temáticas más complejas y adultas, y ahí me encuentro muy a gusto.

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-¿Qué quieres o qué te gustaría transmitir con tus ilustraciones? Quiero que el espectador se sienta entretenido. Que se lleve en la cabeza una historia o narración. Trato de generar un mecanismo para crear ese juego con el espectador. Y al mismo tiempo me interesa aportar una sensación positiva y de optimismo. Quiero que mi trabajo sea generoso con quien se pare a verlo.

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-Has hecho murales al rededor de todo ó casi todo el mundo. ¿Cómo, cuándo y dónde surge la idea de embarcarse en nuevos proyectos cómo este? ¿Recuerdas tu primer mural? ¿Que tipo de herramientas utilizas para la elaboración de estos? Pues el primer mural fue hace no demasiado, hace 3 años. pero es verdad que en este tiempo he hecho ya bastantes. Ese primero fue para Urban Outfitters en su tienda de Covent Garden de Londres. Suelo pintar con pincel y brocha y pintura plástica.

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Mural para Urban Outfitters (Londres). Primero de muchos murales realizados por el artista

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-¿Qué te inspira a la hora de crear? ¿Tienes algún referente? Me sirve todo. Pero saco mucho por ejemplo del arte outsider y el arte folk. Y también me inspiro con la Historia del Arte. Viendo cosas hechas en otras épocas se me encienden muchas luces para usaras para algún trabajo.

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-¿Tienes alguna técnica y/o herramienta que más utilices a la hora de ilustrar? Como más trabajo es en papel. Y en ese caso lo que más uso son tintas caligráficas con pincel, y perfilo con los rotring recargables.

Una gran parte de tus ilustraciones son retratos. Frida Kahlo es uno de los personajes más recurrentes y uno de los que más nos gusta ¿Que representa para ti la imagen de Frida? ¿Cómo Influye el arte latinoamericano en tu obra? Frida me gustó desde el principio como artista. Tiene elementos de simbolismo que me encantan. Y luego, investigando en ella como persona descubrí a una mujer increíble. Fue fuerte y no se doblegó ante nada, es difícil encontrar gente de verdad así. Sí que presto mucha atención al arte tribal y folk hecho en todos los países latinoamericanos.

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-¿Qué es lo mejor y lo peor de tu trabajo? Lo mejor es convertir mi pasión en mi manera de ganarme la vida. Lo peor es no tener el tiempo suficiente para cada proyecto. Siempre creo que con algo más de tiempo podría quedar todo mejor.

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-¿Qué consejo darías a la gente que empieza en el mundo de la ilustración? Trabajar, trabajar y trabajar. Sé que no estoy descubriendo la pólvora, pero con mi experiencia he visto que no falla. Trabajando tanto primero te da para conocerte en esas lides y por tanto ir afilando tu estilo. Y trabajando mucho se genera trabajo que llame la atención. Y con trabajo se es capaz de mantener esto como una profesión.

Para ir acabando, aquí van una serie de preguntas más personales:

-Si tuvieses que escoger una de tus obras, ¿cuál seria y por qué? El tarot que acabo de publicar me ha dejado muy buen sabor de boca. Es un trabajo de mucha simbología y es algo que me encanta.

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-¿Cuál es tu momento preferido del día para crear? Por la mañana, siempre con luz solar.

-¿Café o té? Todo el café.

-¿Mar o Montaña? Montaña. Y si el mar es del norte y bravo, mar y montaña.

-¿Una ciudad? Roma.

-¿Un tema como b.s.o. de tu vida? Cualquier temazo de Johnny Cash.

-¿Una película? Uno de los nuestros, de Scorsese

Y por último, nos despedimos con la pregunta más importante de todas:

-Ricardo, ¿la vida es un cuadro? Bueno, de cada vida se puede hacer un cuadro, eso está claro. Pero hay cuadros más y menos interesantes.

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#lavidaesuncuadro

Nuria Blanco o cómo convertir tu mesa en una obra de arte

Mucho antes de comenzar este blog, pudimos disfrutar de la creatividad de sus preciosos trabajos plasmados en cerámica en The Hovse, la pop-up store realizada por la agencia BETTER, y al igual que una gran cantidad de curiosos que se dejaron caer por éste mercado navideño, nos rendimos a la exquisitez del trabajo de NURIA BLANCO. No supimos nada más de ella y sus vajillas hasta que hace muy poco obtuvimos un nuevo follower en nuestra cuenta de IG, y  ¡QUÉ MAGNIFICA SORPRESA! cuándo descubrimos que era ella y traía de vuelta a nuestras vidas sus platos, platillos, tazas, cuencos, etc. Así que no dudamos ni un momento, y en seguida nos pusimos en contacto con Nuria para poder ofreceros deleitaros con esta review en la que os mostraremos alguna de sus obras y  trabajos.

-¿Quién es Nuria Blanco? Soy una artista multidisciplinar que trabajo en Madrid . Actualmente trabajo con la cerámica como mi principal material

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-En tus trabajos vemos que una gran parte tienen la cerámica como material base. ¿Cómo nace la idea de plasmar tu arte en elementos cotidianos, aunque decorativos, como vajillas? Pues empecé a hacer piezas para mi y para amigos. Trasladaba mis dibujos a piezas con las que los mas cercanos pudiéramos convivir. Y empezaron a tener éxito , y aunque yo siempre utilice la cerámica como material para mis esculturas,  ahora me encanta la idea de que mis piezas se usen en el día a día. Es una manera de llegar a todo tipo de publico. No todo el mundo se compra una escultura o un cuadro pero si una vajilla o una taza.

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-¿Que te inspira a la hora de crear?  Me inspiran muchas cosas, revistas, instagram, libros antiguos, Internet, viajar.

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-¿Cómo es el proceso de elaboración de estas piezas? ¿Qué herramientas utilizas? Dibujo sobre loza bizcochada con óxidos, esmalto con un vidriado brillo o mate y horneo a 1050 grados

-Nos parece súper divertido el hecho de poder combinar las piezas de tus vajillas al libre albedrío, creando un mix de una ilustración con la cabeza de un pez, el cuerpo de un tigre y las patas de un flamenco por ejemplo. ¿Cómo surge la idea de hacer una sola ilustración en dos o más piezas? Primero surgió como una idea romántica, de compartir una merienda o una cena. Tu comes en una parte del plato y yo en la otra. Pensando  que a nadie le gusta comer solo. Luego las distintas composiciones, taza y plato (para tu propio desayuno) o plato hondo y llano (para sopa o aperitivos) es mas individualista. Pero siempre de lo que se trata es de componer un cuadro en la mesa, de divertirse con la comida.

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-En tus colecciones predominan imágenes del mundo animal, ¿Por qué? Empecé por casualidad y tuvieron tanto éxito que aunque cambio de motivos como la botánica o otros elementos mas poéticos , los animales son los mas demandados. No hay nada mas interesante detrás.

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-Cuando compones tus vajillas…¿Tienes en mente la “mesa ideal” en la que tendrían cabida? Una mesa grande , con un mantel divertido , con grandes copas de vino y sobre todo  con una bonita luz para que se vean bien los dibujos.

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-¿Tus platos son para comer, para decorar o para ambas cosas? Para ambas cosas , pero a mi me gusta mas la idea de que se usen para comer y que la comida también componga en el plato

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-¿Alguna nueva colección en la que estés trabajando ahora? Estoy con varios proyectos. Uno de ellos van a ser platos con micropoemas. (hasta aquí puedo leer)

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La pregunta más importante de todas:

-Nuria, ¿La vida es un cuadro? La vida la pintas como tú quieres, puede ser un cuadro o muchos cuadros, puedes empezar uno y romperlo y empezar otro. Pero siempre poniéndole color, mucho color y entusiasmo. Hay que ir pintándolo con intuición y con ganas.

En su web www.vajillasbynuriablanco.com puedes adquirir sus vajillas. Aquí también puedes ver los puntos de venta

#lavidaesuncuadro

¡Arte! ¡Arte everywhere!

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¡YES TO ALL! es lo que decimos de ARCOmadrid, o al menos de parte de la exposición (porque , a nuestro parecer, había muchas cosas que ni fú ni fá). Más contentos que un niño con zapatos nuevos porque obtuvimos nuestro primer pase de prensa oficial como blog (aunque a muchos de vosotros os parecerá una noticia nada relevante, a nosotros nos ha hecho mucha ilusión), acudimos a la Feria Internacional de Arte Contemporáneo que tiene lugar anualmente en Madrid y que reúne a un gran numero de artistas y galerías.

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Hoy en #lavidaesuncuadro os traemos una mini review con imágenes de las obras que más nos gustaron, impresionaron o, directamente, nos llamaron la atención.

Aquí os las mostramos:

    


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ARCOmadrid esta abierto al público hasta mañana Domingo. Así que si queréis pasaros por allí, ya sabéis.

Os dejamos un link para más info.:  www.ifema.es/arcomadrid

#lavidaesuncuadro

Lucreativo & el humor en tiempos de crisis

Si hoy en día ya es difícil intentar hacerse un hueco en la vida, ser tu propio jefe y cabeza de familia no te lo pone mucho más fácil.

Por eso hoy os traemos el genial trabajo de LUCREATIVO. Este ilustrador freelance y padre full-time es autor del libro y pagina web “Ilustrediario” en el que descubrimos un autorretrato del artista  plasmado en viñetas que nos muestran escenas de la vida cotidiana, y acompañado de un sentido del humor de los que hacen falta en los tiempos que corren.

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-¿Quién es LUCREATIVO? Lucreativo es el alter ego de Xarly Rodriguez. Diseñador gráfico freelance, ilustrador accidental, docente en el IED Madrid y padre full-time.

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-¿Cuándo supiste que te querías dedicar a ilustrar? En realidad siempre me negué a ello. Para mi la ilustración era un hobbie, una vía de escape. Es cierto que siempre ha tenido bastante peso en mi profesión como diseñador gráfico, pero no como actor protagonista. De hecho, el blog de “Ilustre Diario” y su posterior formato en libro empezaron siendo un proyecto privado. Lo utilizaba como válvula de escape para mis frustraciones (de ahí las “ifrustraciones”) de ser autónomo en este país y lo que eso conlleva: peleas con hacienda, agencia tributaria, clientes…y todo tipo de organismos y entidades.

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-¿Cómo definirías tu estilo? Creo que tengo un estilo bastante limpio y sencillo. No soy nada barroco…creo que se pueden contar muchas cosas con pocos elementos. Quizás lo que más me caracteriza ahora mismo es la paleta de grises que utilizo. Tanto en mis diseños como en mis ilustraciones es un recurso que está muy presente.

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-En la mayoría de tus ilustraciones juegas mucho con el blanco y negro, ¿Cuándo, cómo y por qué surgió la idea de trabajar tu obra sobre una gama monocromática? Creo que la idea de ilustrar en blanco y negro me viene de los diversos cómics y publicaciones de los años 50 de las que soy bastante aficionado. Es una forma bastante austera de trabajar y me parece muy potente. Además me ayuda a crear un universo visual muy homogéneo que quieras que no ayuda mucho a definir toda mi obra de alguna forma.

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-¿Qué quieres o qué te gustaría transmitir con tus ilustraciones? Bueno, creo que el mensaje es bastante claro. Quejarse es gratis (de momento) y yo hago uso de ese derecho a diario. Salirse de lo convencional nunca es fácil y tienes que luchar día a día pero también tiene sus recompensas. Lo que trato de hacer es compartir esas situaciones con gente que está en las mismas pero desde el humor. Creo que reírse es importantísimo y reírse de uno mismo o de lo que te pasa es fundamental para no rendirse.

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-¿Qué te inspira a la hora de crear? Pues lamentablemente o gracias a ello: la realidad. La gran mayoría de mis “ifrustraciones” son basadas en hechos reales, muy reales…quizás demasiado reales. Créeme, ser freelance en este país, trabajar solo y dedicarte a tu familia por igual, da mucho de si. No necesito crearme universos paralelos.

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-¿Tienes alguna técnica y/o herramienta que más utilices a la hora de ilustrar? Hago los bocetos a lápiz y tinta sobre papel y luego los vectorizo para darles color. Es un proceso bastante sencillo.

En Ilustre Diario, nos entretienes mucho representando escenas cotidianas de un ilustrador freelance. También nos encantan tu creatividad a la hora de crear hashtags como #ifrustración o #beernes ¿Cómo surgen estas ideas? Si, el juego de palabras es algo que viene de familia. Tanto mi padre como mi abuelo han utilizado siempre los juegos de palabra para hacer humor y han sido muy creativos. Los refranes y las frases hechas han sufrido todo tipo de cambios y adaptaciones siempre buscando eso no, una risa facilona que tanto me gusta. He de decir, que el término “ifrustraciones” es de mi cuñado..que tampoco va mal de sentido del humor y creatividad.

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#BEERNES

-¿Qué es lo mejor y lo peor de tu trabajo? Lo peor es que tengo que dedicar mucho tiempo a la gestión: gestoria, bancos, mails con clientes, proveedores… Esa es la peor parte. Desgasta mucho y ocupa demasiado espacio en la cabeza. Además, cuando eres autónomo el trabajo te acompaña siempre. Es difícil desconecta. Lo mejor, que he hecho de mi pasión mi profesión. Sigo disfrutando mucho con mi trabajo y espero que dure muchos años más.

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-¿Algún proyecto en el que estés ahora mismo? Bingo! Ando metido en mil historias siempre. Ahora mismo tengo en marcha un estudio de diseño gráfico especializado en marcas e identidad visual junto con un amigo-socio-compañero. Por otro lado tengo “Ilustre Diario” y mi perfil como ilustrador en Lucreativo®. Y la última historia en la que estoy metido es en una editorial. Si señor, con la que está cayendo se me ha ocurrido abrir una editorial. Pero no una editorial cualquiera…y hasta aquí puedo leer de momento. Espero que en pocas semanas este todo listo para darla a conocer.

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-¿Qué consejo darías a la gente que empieza en el mundo de la ilustración? Tampoco es que sea yo muy dado a dar consejos…ni a recibirlos. Creo que hay que seguir un poco el instinto y sobre todo disfrutar todo lo que se pueda de esta profesión. Obviamente hay que pasar por el aro de vez en cuando, pero si tienes los objetivos claros y tiempo para hacer tus propias cosas se hace más llevadero.

Para ir acabando, aquí van una serie de preguntas más personales:

-Si tuvieses que escoger alguno de tus trabajos ¿cuál seria y por qué? Sin duda, el mejor proyecto es mi familia. Suena cursi, pero es así. Es un proyecto que crece, evoluciona, en el que nunca dejas de trabajar y el que más te aporta. Los demás se terminan olvidando.

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-¿Cuál es tu momento preferido del día para crear? Ahora mismo por las mañanas, a las 6:30 de la mañana, cuando me levanto y está toda la casa en silencio y en calma. Café en mano es un momentazo. Pero es verdad que casi cualquier momento en el que pueda sentarme a dibujar es buen momento.

-¿Café o té? Soy muy cafetero…pero me tengo que controlar así que también consumo bastantes infusiones. Pero vamos, donde esté un buen café expreso, recién molido…

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-¿Mar o Montaña? Soy de Mallorca y ahí lo tenemos todo…y muy cerca. Sin duda estoy muy ligado al mar y lo echo muchísimo de menos, pero también soy bastante de montaña.

-¿Una ciudad? Berlín, sin duda.

-¿Un tema como b.s.o. de tu vida? Aquí me pillas. Soy muy ecléctico en el tema musical. Nunca he tenido una banda favorita…va por fases. He escuchado de todo. Si tuviese que darte una ahora mismo, por el momento que estoy viviendo, no se, algo gamberro sería “No pasarán” de los mallorquines LA PUTA OPEPE. Unos genios.

-¿Una película? Forest Gump.

Y por último, nos despedimos con la pregunta más importante de todas:

-Xarly, ¿la vida es un cuadro? No se si un cuadro, pero un circo si!

http://lucreativo.comhttp://ilustrediario.com

#lavidaesuncuadro

Sanz i Vila: “La vida es el cuadro más Pop que he visto nunca”

¡Por fin es Sábado!, así que no hay excusa para echar un vistazo a nuestro nueva entrevista.

Hoy en #lavidaesuncuadro os presentamos el delicioso trabajo del joven artista e ilustrador Sanz i Vila (24 años) y os sumergimos en su mundo Tricolor.

-¿Quién es Sanz i Vila? Sanz i Vila son mis apellidos, que se han convertido con el tiempo en mi nombre artístico. Soy Pau Sanz i Vila, nací en un lugar de la provincia de Alicante conocido como Dénia un 20 de agosto de 1990, y desde entonces han pasado pocas cosas más.

Sanz i Vila - Perfil

-¿Cuándo supiste que te que querías dedicar a esto? Desde pequeño en el colegio ya me gustaba mucho el dibujo, y no se me daba mal, pero la pintura me costaba un poco más, por lo que me apunté a una academia y fue ahí donde empecé y aprendí a pintar al óleo. Más tarde empecé a estudiar bachiller artístico, y ya sabiendo que quería dedicarme al mundo del arte estudié la carrera de Bellas Artes. Lo curioso es que mientras estudiaba la carrera de Bellas artes no quería ser artista plástico, sino escritor, y me presenté a muchos concursos de escritura y alguno gané pero no veía mucho futuro, aunque me sigue gustando, y ya cuando terminé la carrera dejé los óleos a un lado y me puse a pintar con acrílicos, a experimentar un poco, y así hasta hoy.

-¿Cómo definirías tu estilo? Lo definiría y lo defino constantemente como tricolor, pero si tuviese que profundizar un poco más diría que es un estilo pop con un aire muy manual, es ilustración y un poco poesía. Para mí es como pintar pop sin pensar en hacer algo pop, o así lo veo yo.

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En tus ilustraciones predominan los colores planos, en especial juegas con la mezcla del amarillo, el rosa y el azul. ¿Por qué estos colores? ¿Cuándo, cómo y por qué surgió la idea de trabajar tu obra sobre ellos? Son tres colores porque una de las bases fundamentales de mi obra es el número tres, y fueron estos porque hace unos tres años fui descartando colores hasta que quedaron estos tres, por frívolo que pueda parecer. Sí que es cierto que con el tiempo he ido encontrando un significado a cada uno de mis colores, por ejemplo el azul lo relaciono directamente conmigo mismo y es el único color que cambio de tonalidad, el amarillo es el que más predomina en mi obra y es un color que cada vez me obsesiona más, el rosa me parece que lo unifica todo y lo endulza, crea un equilibrio. Podría contar mil pensamientos que he tenido sobre mis colores después de este tiempo con ellos, pero sería hablar más de poesía que de pintura.

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-¿Qué quieres o qué te gustaría transmitir con tus ilustraciones? Eso es algo que me pregunto constantemente y para lo que cada vez tengo una respuesta diferente. Hay veces que quiero mostrar mi estado de ánimo, otras quiero mostrar el de otra persona que me importa, o algo que me obsesiona, a veces quiero contar una historia, o mostrar algo que quiero conseguir y no puedo. Supongo que al final siempre dibujo lo inalcanzable, lo soñado, eso lo digo hoy pero mañana seguramente pensaré otra cosa.

Sanz i Vila - Trio-También te dedicas a la escultura pero observamos que, a parte del tricolor predominante en tus ilustraciones, añades el color negro. ¿Hay algún motivo en especial?¿Con qué materiales trabajas en la escultura?¿Cuál es el proceso creativo en esta última? La escultura para mí es una rama más en mi obra, pero no de las principales, creo que los ilustradores y los artistas en general deben trabajar muchas disciplinas diferentes, y que trabajar siempre en lo mismo es estancarse y morir. Dicho esto, dentro de la escultura he trabajado diferentes técnicas, desde recuperar antigüedades de porcelana y pintarlas, hasta juguetes que me encuentro, o crear mis propias esculturas con barro, escayola o pasta de modelar para después pintarlos, no tengo límites en la creación, simplemente hago lo que se me ocurre y me apetece.

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En cuanto al uso del negro sí que es cierto que aunque también lo utilizo en mis ilustraciones, le doy un peso diferentes en mis esculturas. En mis dibujos el negro es la línea que separa mis colores, y no lo considero uno de ellos, pero en el caso de la escultura o las figuras en general le doy la misma importancia que al resto de colores. Esto surgió así, me gustó, y continué haciéndolo, intento no ponerme barreras a mí mismo.

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-¿Qué te inspira a la hora de crear? Al principio, hace unos años, intentaba encontrar inspiración en cosas externas, en amistades, en el amor, en todo lo que me pasaba por la cabeza. Pero creo que, afortunadamente, en la actualidad he conseguido ser yo mismo mi propia inspiración, mis colores y mi estilo, y me siento capaz de trabajar tanto en sociedad como en soledad artística y/o social. Creo que he creado un lenguaje propio y que esto me permite contar la historia que quiera o realizar el proyecto que me proponga sin limitaciones externas.

-¿Tienes alguna técnica y/o herramienta que más utilices a la hora de ilustrar? La pintura acrílica.

-Una gran parte de tus ilustraciones son retratos, ¿Algún personaje del que te gustaría hacer una ilustración y aún no hayas hecho? En realidad no, hasta ahora he dibujado siempre todo lo que he querido dibujar.

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-¿Qué es lo mejor y lo peor de tu trabajo? Yo creo que lo mejor es que para mí es ya un lenguaje, como un idioma que me sirve para comunicarme, que hablo con soltura y que he conseguido que la gente entienda. Lo peor supongo que es la continua lucha contra el estancamiento, el intentar hacer siempre algo nuevo, diferente a lo anterior pero a la vez inevitablemente relacionado por el estilo.

-¿Qué consejo darías a la gente que empieza en el mundo de la ilustración? Que hagan caso de sus propias ideas y de sus propios pensamientos, que sepan escuchar las críticas y seleccionar cuáles son importantes y cuales no, y que no se dejen afectar por las críticas destructivas que puedan escuchar sobre su trabajo. Todos tenemos nuestros seguidores y nuestros detractores, y es algo necesario y natural.

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Para ir acabando, aquí van una serie de preguntas más personales:

-Si tuvieses que escoger una de tus obras, ¿cuál seria y por qué? Triamor fue el primer libro que escribí, y es una obra a la que tengo mucho cariño y de la que me encanta hablar, no me cansa nunca. Aún así, tengo varios dibujos predilectos, normalmente son los últimos que hago, porque los antiguos termino por verlos como algo pasado que no me representa ya. Y hay una obra, la de una calavera con un cuervo que hice para las serigrafías de 180 Hilos, a la que tengo un especial amor, es posiblemente una de mis obras favoritas.

-¿Cuál es tu momento preferido del día para crear? La hora de la siesta.

-¿Café o té? Café

-¿Mar o Montaña? Me gusta estar entre las dos

-¿Una ciudad? Florencia

-¿Un tema como b.s.o. de tu vida? Space Oddity de David Bowie

-¿Una película? The rocky horror picture show.

Y por último, nos despedimos con la pregunta más importante de todas:

-Pau, ¿la vida es un cuadro? La vida es el cuadro más Pop que he visto nunca.

http://sanzivila.com

#lavidaesuncuadro